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“Lavorare con artisti come Bébé Bérnard, Jean Coucteau, Salvator Dalì, Vertés and Van Dongen e con fotografi come Horst, Cecil Beaton e Man Ray, era esaltante. Ci siamo sentiti aiutati, incoraggiati e “sollevati dalla noia” dalla realtà materiale di fare vestiti per venderli”.

Elsa Schiaparelli

È la dichiarazione bibliografica di Elsa Schiaparelli che fa da cornice alla mostra biografica in corso al Musée des Arts Décoratifs a Parigi fino al prossimo 22 gennaio 2023.

La retrospettiva è stata possibile grazie alle donazioni che la stessa couturier ha fatto prima di morire all’ “Union Française des Arts du Costume” e al “Museo di Arte di Philadelphia”.

La selezione in mostra, racconta l’infinità di ispirazioni della Schiaparelli, fatte di gioie, di immaginazioni fantastiche e magiche, creando un dialogo tra passato e presente. Fil rouge legato all’attuale direttore creativo della Maison Daniel Roseberry.

Visitare la mostra è stata come una vera e propria immersione a 360 gradi nel mondo surrealista della mitica e leggendaria Elsa Schiaparelli.

La mostra si apre con centinaia di disegni della couturier stampati come carta da parati l’ultima sala espone i disegni di Daniel Rosberry attuale direttore creativo della Maison. L’idea della mostra è di rendere omaggio al lavoro dell’artista con il mondo dell’arte. “La sarta ispirata” come lei stessa amava definirsi collaborò per tutta la sua vita con i grandi artisti Surrealisti lavorandovi a stretto contatto.

Per la storia della couturier è stato cruciale lavorare a stretto contatto con gli artisti e creare abiti come forme di arte perché la stessa stilista si considerava un’artista. “Penso che quando lavorava con Cocteau, Dalí e altri, quelle barriere tra arte e moda chiedessero di essere abbattute. C’era un invito in un certo senso a essere sfidato culturalmente.”Una foto con Dalì con una scarpa in testa è presentata accanto al cappello scarpa del 1937, sottolineando il fatto che non ci sia distinzione tra arte e moda.

Decine e dozzine di creazioni abbagliano le stanze in un luogo sommerso. C’è un raggruppamento dei suoi maglioni lavorati a maglia- capi moderni negli anni ’20 – accentuati da fiocchi trompe l’oeil. Ci sono design che attestano le sue silhouette soigné, le sue costruzioni innovative e la sua ossessione prima per il bianco e nero ottico, poi per il suo ormai emblematico rosa shocking. Numerose sono le vetrine piene di meravigliosi bottoni scultorei, bijoux dorati che incorporano caratteristiche anatomiche e boccette di profumo più originali di qualsiasi cosa oggi sul mercato.

Ci sono più di 520 opere in mostra con quasi la metà di Schiaparelli. Coloro che sono abbastanza fortunati da visitare dovrebbero aspettarsi una festa (e prepararsi grazie alla cronologia dei risultati di Schiap di Laird Borrelli-Persson qui).

Se il fulcro dello spettacolo è innegabilmente Elsa, arriva in un momento in cui Roseberry ha potenziato il nome Schiaparelli attraverso le sue interpretazioni sbalorditive e risonanti della sua visione. Con Lady Gaga in costume Schiaparelli per l’inaugurazione del presidente Biden; Beyoncé alla 63a edizione dei Grammy Awards; e Bella Hadid, che a Cannes ha indossato quell’indimenticabile corazza simile a un ramo, le muse Schiaparelli di oggi stanno attirando una nuova generazione.

Questi pezzi zeitgeist possono iniziare come motivazione per la visita, ma Roseberry si aspetta che la scoperta più grande parli da sola. “Spero per i giovani, o per le persone che non conoscono davvero Schiap, che questa esperienza aggiunga un ulteriore livello di profondità al modo in cui si sentono nei confronti del marchio”, ha affermato.

E infatti, le discussioni tra la Maison e il museo sono iniziate anni prima dell’arrivo di Roseberry; molti dei prestiti sono stati garantiti prima che avesse la possibilità di intervenire. I ritardi causati dalla pandemia hanno favorito un allineamento delle stelle. “Oggi, il tempismo sembra eccellente, ma è un riassunto del caso”, ha detto Olivier, descrivendo Roseberry come “complice del museo” durante il processo.

Come sarebbe un opera d’arte indossabile? La moda cerca di dare una risposta a questa domanda dalla sua nascita. Designer, stilisti, artisti hanno cercato il connubio perfetto tra arte e moda, tra concetto e funzionalità. Alexander MCQueen, Elsa Schiaparelli, Martin Margiela, Miuccia Prada, sono solo alcuni dei grandi nomi che nella storia della moda sono stati ispirati da correnti artistiche.

Il passato non è l’unico che porta con sé grandi collaborazioni. Louis Vuitton ci ha abituato infatti al binomio arte-moda, portando a cadenza annuale dal 2018, le sue ArtyCapucines.

Ma cosa sono? La Capucine è un modello di borsa introdotto dalla maison nel 2013, che è presto diventato un top seller nella sua categoria. Il brand ha subito capito le potenzialità che poteva offrire, che poteva essere la tela bianca perfetta.

Quest’anno non è stato da meno.

La maison ha chiamato a raccolta sei artisti da tutto il mondo perché imprimessero sulla borsa la loro visione dell’arte e della moda. Amelie Bertrand, Daniel Buren, Ugo Rondinone, Peter Marino, Park Seo-Bo e Kennedy Yanko sono i nomi prescelti.

Ognuno di loro ha avuto carta bianca e ognuno di loro ha creato qualcosa di unico e irripetibile.

La borsa forse più eccentrica delle sei, brilla nel buio. Questo è reso possibile grazie a un innovativo trattamento con pigmenti, che unito ai colori già sgargianti ci trasportano subito a Los Angeles, su una spiaggia assolata o fuori da un nightclub. Un paio di fiori sovradimensionati e una catena, entrambi elementi ricorrenti nel lavoro di Amelie Bertrand, decorano ulteriormente la borsa. Questi due ciondoli sono dipinti come ombre e la silhouette della catena è impressa nella pelle.

Buren invece ha visto la borsa come un oggetto scomponibile, i cui elementi potevano essere usati per creare qualcosa di nuovo. Due elementi sono emersi, il cerchio e il trapezio. Per poter rendere l’effetto desiderato dall’artista, la maison ha dovuto alterare la struttura classica della Capucine, rendendola quindi unica nel suo genere. Il manico, un semicerchio completato grazie all’effetto specchio, è bianco e nero, lucidato con finitura satinata. Per noi di Madìn è un grande richiamo agli anni 60!

L’artista svizzero ha riportato sulla borsa due suoi temi ricorrenti; i clown e l’arcobaleno. I colori fanno da protagonista e l’utilizzo delle perline, 15000 tutte applicate a mano, dà alla borsa una texture paragonabile a quella della pittura. Grumosa, materica e brillante. Il manico è in resina traslucida lavorata a mano, progettata in modo che in piena luce i suoi colori vengano “riflessi” sulla patta della borsa.

Marino si è ispirato a una scatola medievale vista in un edificio del XIV secolo a Venezia. Collocata vicino alla scala monumentale progettata dall’architetto italiano Mauro Codussi, la scatola era dotata di cinghie e di una chiave medievale, elementi che Marino ha ricreato sulla borsa iconica di Louis Vuitton. Il monocromo nero è un grande cavallo di battaglia dell’architetto.

Fondatore del Dansaekhwa, un movimento nato all’inizio degli anni Settanta che ha rivoluzionato la tradizione pittorica coreana, ha voluto imprimere sulla pelle una delle sue opere più celebri, parte della serie “Écriture”. Per ricreare la texture tattile dell’immagine, la pelle di vitello della borsa è stata trattata con un effetto “coup de pinceau” simile a una pennellata, prima di applicare con cura alla pelle un’iniezione di gomma 3D altamente dettagliata, basata su una scansione del dipinto.

L’ultima artista ha anche essa lavorato sulla consistenza della borsa pensando però a come non alterare la sua funzionalità. La pelle ha volutamente un effetto sporco, rovinato, che è stato realizzato con stampa 3D e in seguito rifinito a mano con pigmento oro. La borsa è anche incredibilmente versatile: rimuovendo il manico in pelle si trasforma in una clutch.

Settembre ha da sempre molti significati; le scuole ricominciano, si torna alle proprie case e si inizia a dimenticare il benessere delle ormai lontane vacanze. Si può quasi dire che sia settembre il vero inizio dell’anno, non gennaio. Per la moda questo è legge; settembre è l’inizio di una nuova stagione, di nuovi trend, di nuovi incontri e di nuova energia creativa.

E come rappresentare questo nuovo inizio se non attraverso quel mezzo che è sempre stato prediletto dal mondo del fashion? Le edizioni di settembre delle più grandi testate di moda del mondo si riempiono di servizi fotografici meravigliosi, realizzati con look più cercati delle ultime sfilate, indossati da modelle, attrici, influencer, cantati o figure rilevanti dello star system. Ma soprattutto le edizioni di settembre sono vere e proprie guide ai trend del anno che verrà; i brand che ben sanno cogliere l’opportunità di vendere, allocano un budget considerevole al marketing e alla pubblicità, realizzando campagne che sfiorano il mondo dell’arte. Un esempio può essere la nuova campagna di Balenciaga, ricca di vip nei look più iconici della Fall 2022 Ready-to-wear.

Tornando ai magazine, Vogue, re incontrastato nel mondo dell’editoria di moda, fa gara ogni anno per presentare le edizioni più ricche e innovative del mese. Le quattro principali, che sono Usa, Francia, Inghilterra e Italia, sono le prime a far uscire le loro copertine a fine agosto, regolando il tono che dovranno avere le altre edizioni del magazine.

Vogue Italia, sotto la direzione di Francesca Ragazzi, ci presenta Gigi Hadid come non l’abbiamo mai vista. Drammatica come una gran dama del teatro, fissa l’obiettivo con occhi bordati di nero, a contrasto con il biondo platino dei suoi capelli cotonati all’insù. La frase è chiara; nuovo inizio, nuovo modo di approcciarsi alla moda ma anche nuovo modo di vedere Gigi, che si dice stufa di rappresentare sempre lo stesso stereotipo di donna. 

Per fare questo era necessaria un’accoppiata d’eccezione; hanno unito le forze infatti la celebre fashion editor Grace Coddington e il nuovo talento della fotografia Rafael Pavarotti. È dal loro lavoro in sinergia che sceglie di ripartire Vogue Italia.

Vogue Usa, al cui vertice troviamo sempre Anna Wintour, parla sempre di un nuovo mondo ma sceglie una copertina dai colori più morbidi e tenui, fotografando Serena Williams davanti al mare in un abito azzurro cielo. Nell’inserto della copertina vediamo una bimba, Olympia la figlia della Williams, tenere lo strascico del Balenciaga indossato dalla madre. La fine della carriera da tennista di Serena segna anche l’inizio per lei di un nuovo capitolo, più calmo ma non meno eccitante, la maternità.

Ancora, Vogue British, splendidamente guidato da Edward Enninful, riporta Linda Evangelista sulla cover, dopo il lungo periodo di assenza della modella, causato da un intervento estetico andato male. Il tema del nuovo inizio ci segue anche in Inghilterra, dove anche se non è sbandierato nel titolo, è dimostrato dall’immagine, tanto semplice quanto potente. Evangelista è coperta quasi completamente, ma il rosso che la contorna, da sempre colore associato al potere e alla forza, catalizza la nostra attenzione su i suoi occhi e ci fa quasi dimenticare il motivo della sua assenza.

Vogue France, diretto da Emmanuele Alt, torna a capofitto sul tema della novità, proponendo Kate Moss in un look che ha del futuristico. I toni del blu e dell’azzurro fanno da padroni, dando alla foto una consistenza liquida ma appuntita allo stesso tempo. Qua il senso di nuovo viene dato dalla sottile promessa di un futuro sfavillante, di una moda ancora più glamour e sempre creatrice di sogni.

Chiudo questa piccola rassegna con un vero inizio. Vogue Philippines apre i battenti e dedica il suo primissimo numero, in uscita proprio a settembre, a celebrare la bellezza filippina, portando in copertina luoghi iconici e modelle dalla delicata bellezza. I colori terrosi sono protagonisti, andando perfettamente a adeguarsi alla natura dello sfondo. A Bea Valdes, nuova editor-in-chief, vogliamo augurare che questo settembre sia solo il primo di una lunga serie per il suo Vogue, che si presenta elegante e fresco. Forse la ventata di novità necessaria non solo per questo mese ma per tutto il fashion system.